Dopo l’indipendenza, come tutte le correnti culturali e artistiche che si formano intorno a un evento politico, anche l’arte indiana fu segnata da una pesante dose di coscienza politica e sociale. Questo annunciò la nascita dell’arte contemporanea indiana e portò alla fondazione di una nuova scuola d’arte a Bombay, chiamata “Gruppo di Artisti Progressisti”. Fondato da Francis Newton Souza, il gruppo incoraggiava due tipi di arte: da un lato, gli artisti dipingevano scene audaci e furiose dei recenti cambiamenti politici e sociali, mentre la scuola d’arte di Bombay incoraggiava i pittori a tornare alle tradizioni e ai motivi indiani, creando opere magiche e fantastiche. Da qui sono usciti alcuni dei più grandi nomi dell’arte indiana contemporanea: Francis Newton Souza, Maqbool Fida Husain, Gulam Muhammed Sheikh o Sundaram, per citarne solo alcuni.
La Biennale di Venezia, una delle mostre d’arte più prestigiose del mondo, ha messo in mostra l’arte indiana nella sua ultima esposizione attraverso una mostra dedicata chiamata “iCon: Indian Contemporary, anche se grandi case d’asta come Sotheby’s e Christie’s fanno a gara per sviluppare una base di clienti più grande e sfruttare il vasto potenziale del paese.
In effetti, negli ultimi due o tre anni, sia i volumi che i prezzi dell’arte indiana sui mercati mondiali sono aumentati drammaticamente. Opere di artisti anziani come Francis Newton Souza, Husain, Syed Haider Raza, Tyeb Mehta, Akbar Padamsee, Ram Kumar e Vasudeo Gaitonde hanno raggiunto livelli impressionanti anche se artisti più giovani come Subodh Gupta, Jagdish Swaminathan, Bhupen Khakar e Arpita Singh raggiungono prezzi e riconoscimento.
Sembra che l’arte indiana abbia finalmente trovato il suo giusto posto nel mondo.
Gli indiani hanno sempre avuto una passione per il bello: i tessuti, la scultura, l’architettura dei templi, la musica, la danza e persino il cibo parlano da soli. L’arte è sempre stata definita da un periodo storico specifico, così come dai pre-set regionali e religiosi che la influenzano.
L’antica arte indiana sotto forma di sculture e murales è sempre stata quasi religiosa. La rappresentazione degli dei, delle dee e degli esseri celesti era essenziale nella forma dell’arte del tempio. Le grotte di Ajanta ed Ellora hanno i più bei murales che rappresentano quest’epoca con la loro rappresentazione di temi giainisti, buddisti e indù.
L’arrivo degli invasori musulmani in particolare portò nuove influenze come motivi geometrici e floreali ripetitivi, dimensioni spaziali e narrazioni. Anche l’arte in miniatura fu introdotta in questo periodo, portando alla nascita di importanti scuole come la Pahari, Kangra, Kishangarh e altre scuole del Rajasthan. Parabole religiose, racconti popolari, mitologia, erotismo e la vita di uomini e donne comuni cominciarono a trovare espressione in questa nuova forma.
L’era britannica ha portato una prospettiva completamente nuova nell’arte e nelle forme d’arte. Costantemente stupiti dalla diversità dell’India, dalla flora e dalla fauna esotica e dagli eccezionali monumenti antichi del paese e desiderosi di catturare queste meravigliose immagini per mandarle a casa alle loro famiglie, molti degli europei di stanza in India assunsero artisti indiani per dipingere questi meravigliosi scenari per loro. Queste “cartoline dall’India” usavano una combinazione di motivi, idee e stili di pittura europei, che non furono solo un successo in Europa, ma fecero strada a un nuovo stile indoeuropeo.
Il mondo si aprì così a molti artisti indiani che entrarono in contatto con le grandi opere e tendenze artistiche europee. Contemporaneamente anche l’oriente si aprì e le forme d’arte orientali provenienti dalla Cina e dal Giappone ottennero un’utilità che si unì per dare forma a ciò che oggi si chiama arte indiana.
